瑞士洛桑当代设计与应用艺术博物馆（mudac）馆内有两套精美的珠宝藏品：博物馆的珠宝馆藏和为瑞士联邦所有的珠宝藏品（可由mudac定期获取），这近两百件藏品反映了珠宝领域持续不断的发展和创新，「游珠戏宝」是mudac首次将其珍贵的珠宝馆藏呈献给观众的展览。
传统意义上的珠宝指的是以贵重材料或杰出工艺打造的、精美的装饰性配件。为了打破传统，当代珠宝商在处理传统的贵金属的时候会在黄金的表面留下擦痕或是刷纹，或将白银氧化成黑色、做旧或是除去它的金属光泽，这和西方珠宝那种经典的华丽光泽相去甚远。
他们还会改变饰品的原材料，以独特的工艺使其更加珍贵。例如，将保鲜膜变成珍珠，将钞票变成浮雕饰品，即使是废弃的边角料也能再生为华丽的珠宝。一些珠宝设计师甚至独创了新的佩戴方式——将首饰直接与身体结合，或是像服饰那样穿戴，诠释时尚。所有的巧思都各有千秋，但这些造物有一个共同之处——他们都凝聚了创作者刻苦的工匠精神。每一件首饰都是塑造它的双手的智慧的见证。
卡罗尔·吉纳德（Carole Guinard）
珠宝设计、工艺、材料创新
毫无疑问，球鞋是最能够代表街头服饰与奢侈品结合的物件。
「潮鞋集合！——全球联名球鞋展」是全球首个探讨球鞋现象的展览，让你以国际视角全方位地体验到球鞋现象的正能量。展览将会由现在一直追溯到上世纪八十年代——联名初起之时，讲述球鞋作为一种文化和生活方式，如何冲击并反转了时尚、音乐以及图像产业，并且在各个层面上改变了当代创作和城市文化。
展览以“联名”为主题，探索潮流历史，带你回到最有纪念价值的联名，是它们把潮流文化作为流行文化的一支转变成了整个时代的狂热。如今“联名”越来越重要，它是品牌营销的得力助手，也将运动用鞋升级成为真正的时尚单品。
展览将主要展出耐克（Nike）的限量球鞋，是该品牌掀起了这一席卷全球的潮流；展品还囊括了阿迪达斯（Adidas）、亚瑟士（Asics）、彪马（Puma）、锐步（Reebok）、范斯（Vans）以及其他品牌的球鞋，它们将一一为你呈现这一开创性的现象级潮流全景。
「潮鞋集合！」展览将用更广、更深的视角聚焦艺术家和设计师为球鞋所注入的创意。展品跨界联名的领域广泛：维吉尔·阿伯拉赫（OFF-WHITE CEO，LV创意总监，DJ）、扎哈·哈迪德（建筑师）、武当帮（嘻哈团体）、村上隆（艺术家）、法瑞尔·威廉姆斯（嘻哈音乐人）、瑞克·欧文斯（设计师）、坎耶·维斯特（嘻哈音乐人）、杰瑞米·斯科特（设计师）以及汤姆·萨克斯（艺术家）等等。 通过对话与分享的方式，潮流文化的丰富性和创造力得以广泛传播与发展，这在展览中得到了详细而有力的印证。
2019
mudac：
马可·克斯坦提尼（Marco Costantini）
✕
瑞士球鞋协会：
大卫·博格利亚（ David Berguglia）
朱利安·伯桑-拉莫（Julian Bessant-Lamour）
菲利普 ·奎安德（Philippe Cuendet ）
流行文化、时尚设计、生活方式
在「畀自：当代香水设计师展」中，我们将沿着香水的创作过程和发展进入这复杂而庞大的芬芳世界，公众得以一瞥其中的秘密——香水这种昂贵且富有创造性的媒介是如何触动所有人的心弦。和时装一样，香水的制作也属于应用艺术：一门必须顾及产品功能性的工艺，而不仅仅关乎它的形式。香水制作是一门专业学科，从业者必须要掌握相应的专业知识，以及对创意的无限好奇。构思、调香、装瓶、鉴香、闻香……每一瓶香水都是调香师所述说的一段动人故事。
为了展现香水世界的复杂和多样性，展览聚焦十三位来自不同国家、背景各异的调香师。他们的性别不同，职业发展阶段不同，工作方式也不同：有的是独立调香师，有的创立了自己的品牌，有的则是知名香水品牌的总监。展览还促成了调香师和专业的香水评论杂志《Nez》的合作，每个调香师和杂志的专家在各自的作品中精选三个进行展出。
「畀自」经过多年的规划，最终以三个层次呈现调香的艺术：调香师的个人创作经验采访，调香师作品主题展示，以及香水工艺的介绍。对博物馆来说，最大的挑战是如何将气味这种无形无色的展品在博物馆这种以视觉为主导的环境下呈现出来——如何在不影响公众对香水感知的前提下、以关注香水本身的方式展陈香水？对此，Glithero的设计师莎拉·凡·嘉美伦和（Sarah van Gameren）和蒂姆·辛普森（Tim Simpson）设计了六个嗅觉装置，给观众开启了一段诗意的香水感官之旅，这也体现了设计是香水艺术中不可或缺的一部分。
2019
克莱尔·法芙尔·麦克斯韦（Claire Favre Maxwell）
香水、感官、设计、应用艺术、生活方式
1992年，艺术家本·沃提尔曾在塞维利亚世博会的瑞士馆前写下这样一段煽动性的言论：“不存在瑞士这个国家。”他本想指出瑞士在语言和文化上的多样性，却不料令人神经敏感。用同样的口吻，我们也可以说：“不存在瑞士建筑这个概念。”瑞士建筑的形象，尤其在国际上的形象，仍然定型于九十年代或者极简主义；然而在现实中，瑞士的建造会因所在的地区不同而有各式各样的区别。与其说“瑞士建筑”（把所有的建筑看为一个整体），不如说“瑞士的建筑”（没有一个统一的特质）更准确。
「周游瑞士——九十年代之后瑞士境内的建筑」是瑞士建筑博物馆馆长安德里亚斯·鲁比首次领导的展览，展览充分表达了他对该博物馆的愿景：面向公众，当代，合作，关注整个瑞士。通过与全瑞士162个来自各个地区的建筑实践合作，瑞士建筑博物馆创建了一个瑞士当下的建筑地图集，整个瑞士被大型投影搬进了博物馆里。展览呈现了当今瑞士建筑师们所关注的主题、内容和策略有何异同。
安德里亚斯·鲁比（Andreas Ruby）
2017
当代建筑、瑞士
「孟加拉流」由瑞士建筑博物馆策划，它首次把孟加拉的建筑呈现给全世界观众。在历史长河中，随着宗教或者社会文化的发展，不同时期的历史潮流都会以建筑作为载体各自的建筑风格进行表达。然而，几个世纪以来，很多因地制宜的基本精神已经深入人心，甚至代表了当今建筑发展趋势的基础。现代主义建筑同样以此为基本原则，其中孟加拉国本土最重要的人物就是穆扎如·伊斯兰。由于他的个人身份同时受到地方主义和国际主义的影响，他将很多国际上现代主义的重要人物请到孟加拉开展重要的建筑项目，如：保罗·鲁道夫、斯坦利·泰格曼以及——路易斯·康。展览中穆扎如的原版图纸，是第一次在孟加拉国国外展出。「孟加拉流」主要关注的是当代孟加拉建筑的发展，如今这场建筑运动的主角，很多都是穆扎如·伊斯兰生前的学生、助手或者同侪，他们在近几十年建造了独立的建筑景观，用当代的方式发展了上一代提出的社会和建筑的议题。这一松散的建筑师群体，一次又一次地抵御了来自全球多种多样的压力，集体为觉醒的孟加拉文化和建筑发声。「孟加拉流」将展出六十多个来自成熟和新生的建筑师的项目，这些项目由全球最知名的建筑摄影师之一伊万·班（Iwan Baan）纪录。
2018
尼克劳斯·格拉博（Niklaus Graber）
安德里亚斯·鲁比（Andreas Ruby）
薇薇安·埃伦斯伯格（Viviane Ehrensberger）
建筑运动、城乡发展、本土化、三角洲、国际主义
「游：城」是瑞士首个关注当代城市空间中某一特定的现象的展览——河泳，以及其所影响的城市改造运动。瑞士的城市在过去几十年里，一直是推动“河泳”这项运动的先驱，他们逐渐把自然河流内化成城市环境中可使用的公共自然空间，从此河流成为了市民家门口的休闲场所。世界各地多都对这种在自然水体中游泳的文化敬而远之，然而它们却能向瑞士借鉴城市可以如何开发河流这一空间资源，以可持续的方式提升城市生活质量。展览介绍了四个瑞士城市——巴塞尔，伯恩，苏黎世和日内瓦——独特的城市面貌和游泳史的发展，观众通过展厅里的沉浸式的影像装置，甚至能以一个游泳者的视角体验这四个城市的河流。展览还展出了当代全球各个城市推广河流游泳的项目：Flussbad（柏林）、POOL IS COOL（布鲁塞尔）、Thames Baths（伦敦）、Ilot Vert（巴黎）、Charles River Swimming Initiative（波士顿）以及+POOL（纽约），亚太地区的巡回展也将尽可能与当地相关的项目进行合作。
电子媒体艺术家尤尔·埃格利（Jürg Egli）为展览制作了沉浸式的影像装置，露西亚·德·莫斯特林（Lucía de Mosteyrín）为此次展览的项目摄影师。
克莱尔·法芙尔·麦克斯韦（Claire Favre Maxwell）
2019
城市、规划、游泳、生活方式
瑞士原生艺术馆具有独特的历史价值，馆藏有七万件艺术品：包括绘画、素描、雕塑、织物和写作。2013年11月，新任馆长莎拉·伦巴第（Sarah Lombardi）女士为现有馆藏特别发起了一系列的展览，将这些无价之宝展示给公众。双年展每两年举办一次，博物馆根据不同的主题展出此前从未曝光过的藏品，相应的图录令展览内容更加丰富。首届展览以“交通工具”为主题，2015-2016年的主题是“建筑”，2017-2018年的是“身体”；2019-2020年，第四届则邀请观众以戏剧的视角，更深层次地发现博物馆的藏品。
2013–2014 | 交通工具：安妮可·赞齐（Anic Zanzi）
2015–2016 | 建筑： 帕丝卡尔·让纳雷特（Pascale Marini-Jeanneret）
2017–2018 | 身体：古斯塔沃·贾科萨（Gustavo Giacosa）
2019–2020 | 戏剧：帕丝卡尔·让纳雷特（Pascale Jeanneret）
2013至今
域外艺术、原生艺术、交通、建筑、身体、剧场
「写作式绘画——当言语找寻它的出口」是一个关于书写及其幽暗面的展览，它回顾了从二十世纪早期至今许多的艺术实践，它们抛弃了沟通，沉浸在一个难以辨认和言喻的世界。展览在探索手稿里固有的张力，游走于纯粹的语义学和这未知的领地之间——纯粹而繁复的图饰、下意识的创作、重复的标记和潦草的文书……所有的展品都留存在一片特殊而模糊地带，正如哲学家阿甘本所诠释的那样，书写的行为更关乎于“述说的欲望”而非“述说”本身，亦更关乎于意义的“可能性”而非“重要性”。写作超越了沟通，成为人存在的痕迹以及对自我的肯定，也是欲望的元素、对世界之神秘的隐喻。我们的学术研究侧重于人类原始的冲动，而不是书写交流的作用。我们面向其不受约束的一面，以其想象上丰富的可能性，再一次完全地回归到人类的天性。
另一方面，展览也着重强调了书写与权力之间不可分割的关系——语言结构与性别的关系。展览在这个层面上呈现了对上世纪女性话语权状况的探索：自二十世纪早期，很多女性用强迫性的书写表达对自我存在的肯定，它们多难以辨读。她们以此回应在父权世界中她们政治身份的隐形和社会身份的失声。对她们来说，写作的时刻是生命的瞬间，是私密的行动、存在的证明、自我认知的工具——更是一种反叛和艺术表达的乐器。
2020
安德莉亚·贝里尼（Andrea Bellini）
莎拉·伦巴第（Sarah Lombardi）
原生艺术、当代艺术
很少有艺术家如H·R·吉格尔一般如此令人着迷，这是一个在平面设计和电影摄制领域如神话般的人物。他因创造了科幻电影《异形》（1979，雷德利·斯科特导演）中的外星生物而闻名世界，但在奥斯卡的聚光灯的背后，这个现代历史上最著名的怪物却在吉格尔的生命里留下了挥之不去的阴影。此次回顾展将从异形的魔爪里抢回吉格尔的作品，展现他在流行文化中标志性的艺术生涯。
瑞士艺术家H·R·吉格尔（1940—2014）丰富的艺术生涯开始于上世纪六十年代，彼时他以超现实主义和密教建立了一个艺术的个人天地。这个世界是魔镜的另一端、是狂人的洞穴、是机械诡影重重之地。贯穿吉格尔整个制图、绘画和雕塑的生涯，他一直在对科技时代人类所面对的问题进行回应，并发展出他命名的“生化机械”的风格，玩转生化和科技世界黑暗的意象。
H·R·吉格尔是二十世纪前卫的科幻艺术领域真正的大师之一，流行文化对他作品的热情从未减退。但随着艺术家的作品被他人重新诠释，他在学术圈的所获得的认可就被冲淡了，像他这样于科幻和流行文化而言如此重要的人物却未曾被写入艺术史书籍之中。「独自与夜同行」是对逝世的艺术家的致敬，也是对他在当代艺术作品中的地位的质疑。
2017
卡洛斯·阿雷纳斯（Carlos Arenas）
当代艺术、科幻、电影、生化机械、赛博朋克
我们官能所感受到的，仅是天地世间之毫芒。宇宙的基础本质，包括种种难以设想却左右世界运作的微小活动，始终玄妙莫测。然而拜近百年来新兴技术设备与科学突破之赐，我们对这秘隐的领域已有前所未见的认识，其中又以研究宇宙构成的基本属性、物质、法则的物理学尤为显著。
只不过，现代物理学对自然的表述，往往无视一般人是否能够理解：基本原理显得相互牴触，描述用语晦涩难懂，即便看似错综复杂的理论其实皆经过验证。但在这些情况中，艺术家和科学家往往可以藉由文物，让我们看到为了揭露、理解这些知识并将之回馈于社会所面临的挑战。
近几年，拥有大型强子对撞机（Large Hadron Collider）的欧洲核子研究组织（CERN），以其研究脉络为主轴，促成许多艺术与科学领域的全新合作模式。 「碰撞国际大奖」是一项CERN于2016年至2018年间与英国FACT艺术与创意科技基金会（Foundation for Art and Creative Technology）携手合作的艺术旗舰计画──「对称性破缺」便是由此计画孕育出的展览。受邀参与此计画的艺术家在CERN实验室进行为期两个月的进驻，与物理学家、工程师、工作人员建立重要的对话与交流，并成为此独特的基础科学界社群中的一份子。此展作品为碰撞国际大奖的获奖艺术家在CERN实验室里费时进行的创作，体现出跨域交会的成果与结晶。
「对称性破缺─超科学．艺术展」汇聚九件由国际艺术家创作的全新委托制作，探索复杂深奥的物理学语汇、为理解自然所设计的实验，以及由CERN 串联各方所起的加乘效应。展览透过这些涉猎广泛的艺术创作，重访科学领域最根本且富哲学底蕴的叙事。
2018
莫妮卡·贝柔（Mónica Bello）
荷塞-卡洛斯·马里亚特基（José-Carlos Mariátegui）
跨界艺术、科学、装置艺术、视觉艺术